LA BLOGOTHEQUE

Aime-toi toi-même

JPareil — 2010-02-02T09:44:31Z

Mais comment faisait-on, avant Internet, quand on tombait sur un disque pareil. Je suppose qu'on était obligé de l'aimer longtemps en cachette, avant de trouver quelqu'un dont on soit sûr qu'il ne se foute pas de vous dès les premiers phrases :

Noir ou vert, je suis le lutin la forêt des hommes nous appartiens-iens-iens Ouah ou-ah ou-ah

Et plus loin, c'est L'élu qui interpelle. Ce sont d'abord des arpèges aigrelets, puis, guidées par un son synthétique, des paroles qui ne laissent pas trop de doute sur les illuminés qui chantent. Un quasi rythme de samba, mais retenu, des cordes qui tranchent (du banjo ?), des claquements de main, 2'45 de trouble.

Aujourd'hui on se rassure en quelques clics en constatant qu'on n'est pas seul. Que l'album d'Ilous et Decuyper est bien un de ces trésors cachés des 70's qu'on peut aimer et partager, même s'il faut bien l'avouer, ce n'est pas facile. Car presque 40 ans après sa sortie, cet album sorti en 1971 dans l'indifférence générale est toujours le même ovni, une tentative française de pop ouvragée à la Beach Boys mais sous l'influence cosmique du grand créateur.

Le chant en français s'avère d'emblée casse-gueule mais fait partie du charme un peu honteux du disque. C'est aussi pour apprivoiser des textes limite gênants de premier degré sur une musique aussi sophistiquée qu'on le réécoute. Puis tout ça finit par participer de la singularité du truc. Bien vite, sous l'emprise de ses harmonies vénéneuses, on renouvelle l'expérience encore et encore, jusqu'à l'obsession, comme enchanté par les esprits de la forêt. Et à force, ce sont les morceaux en anglais qui paraissent incongrus, deux seulement, une jolie reprise d'Eleonor Rigby et Beurk !!!, un hommage aux Rolling Stones semble t-il.

Par moment, on pense à des Air complètement assumés qui auraient osés chanter en français leur spiritualité New age. Ca donne des Pour mieux te purifier de tes péchés avant que le refrain, Aime toi toi même ne surgisse, porté par des synthétiseurs d'époque et puis tout ça débouche sur un final grandiose, digne de Surf's up. Non, décidément, je ne comprends rien à ce disque. Remettez-le moi encore. Non, délivrez-m'en. Et puis donnez moi un de ces champignons, les mêmes qu'eux, je veux essayer moi aussi.

L'album est en écoute intégrale sur Deezer. Il a été réédité par Lion en 2006 (CD). On le trouve sur amazon mais également sur itunes ou mieux, en version sans pertes sur Qobuz. La réédition CD contient deux titres en bonus (Aime-toi toi même / L'espoir) tirés d'un 45 tours sorti la même année que le LP.

Harlem Shakes, bande-son sans plomb

Garrincha — 2010-01-01T13:40:22Z

Cet après-midi, je sors péniblement du lit et je manque m'évanouir en me lavant les dents. Il fait super moche dehors. J'ai la gueule de bois et du boulot.

Je lance iTunes en aléatoire, et c'est un groupe déjà défunt qui déboule. Les Harlem Shakes avaient illuminé le début de l'été, une sorte de version moins crispante de Clap Your Hands Say Yeah, porté par un tube, "Sunlight". On pensait qu'ils ne passeraient pas l'été : le groupe n'existe plus mais Technicolor Health s'accroche encore. Et fait preuve aujourd'hui, avec un "Strictly Game" qui oscille entre afropop, bombe indie et electro dansante, d'un superbe à propos : "This will be a better year".

Harlem Shakes - Strictly Game

C'est de l'optimisme qui groove, léger, sans plomb, pour qui en veut, ni plus, ni moins. (Bonne année)

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Nitneroc, bande-son Nintendo

Furtif — 2010-01-01T13:19:41Z

Ce matin, je mets la musique assez fort pour entendre le son de n'importe quelle pièce. Je danse en me lavant les dents. Il fait beau dehors. J'écoute sans doute pour la 72e fois Ampoule, pop pleine de bips, électro joliment troussée du duo français Nitneroc. Deux étudiants en musicologie maniant avec justesse les claviers, au point de provoquer chez moi une petite passion monomaniaque pour ce titre qui met en joie.

Nitneroc - Ampoule

C'est de la nostalgie 8-bit pour vingtenaire tardif, ni plus, ni moins.

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La barrière de Yeasayer

Furtif — 2009-12-16T08:23:56Z

Il y a quelques semaines, j'ai pris une barrière en pleine tête. Pommette ouverte, juste sous l'œil, nez touché, cartilages déplacés. Le lendemain, avec mon nez en vrac, mes points de suture et mes quelques traces de sang, j'entamais avec brio ma toute nouvelle vie de Monsieur Patate.
Le plus gênant dans tout cela n'est pas tant d'avoir à subir les dégâts physiques, mais d'avoir à raconter ce qu'il s'était passé. Je portais sur ma tronche mon duo avec Alain Barrière. Au départ, l'histoire ressemble presque à la vérité, l'humour en plus et quelques détails en moins. Au fur et à mesure, et alors que l'histoire est bête comme chou, la version finale s'étend, se transforme, gagne en épaisseur, s'adapte à l'auditeur, joue avec lui et finit par ne plus ressembler à ce qu'on a vécu.

Six semaines plus tard, rebelote : barrière, histoire et l'obligation de trouver des dérivatifs au récit pour la rendre belle, intéressante, pas ennuyeuse pour ceux qui me posaient des questions. Cette fois, la rencontre, c'est avec One de Yeasayer, ma barrière sonore à moi, à paraître sur le prochain album du groupe. J'ai eu le tort de mettre les doigts dans le pot de confiture, j'ai touché au cadeau de Noël avant minuit (« Presents are always spoiled for those who open them before they are supposed to. »).

Yeasayer - One

Cinq minutes et 25 secondes qui paraissent en faire le double. Un morceau qui fait faire des cabrioles mentales, tant l'enchaînement de percus fait immanquablement penser à des tracks conçus dans la chaleur étouffante de clubs 90's. Manifestement une mine pour remixeurs. Oubliez Ambling Alp, le titre qu'ils ont laissé filer en apéritif de l'album à venir.
Placé au faîte d'Odd Blood, One est le sommet d'un album en forme de sinusoïde. Yeasayer joue l'alternance entre les traces de psychédélisme qu'on leur connait et un versant bien plus proche des débuts des années 90, en sautant à pieds joints dans des productions club. La transition est parfois brouillonne, mais il en émerge One. Un rien putassier, certes, mais avec ses breaks placés sur la route, la petite rythmique funky qui transparait et sa propension à faire bouger les jambes, c'est autant un morceau "Saga Africa" d'abdos-fessiers que celui d'un probable climax nocturne sur le dance-floor.

D'avance, je sais que comme mon histoire de barrière, je vais me lasser de One, puis y revenir, transformer mon avis, modifier mes raisons d'aimer cette chanson, ne plus vouloir l'évoquer, puis la ressortir finalement - après un temps - lors d'une soirée, comme une bonne anecdote pour crâner, une bonne chanson pour faire danser, faire l'intéressant et devenir l'attraction éphémère.

Illustration bandeau (sous Creative Commons) par Petrovsk.

A deux, c'est toujours mieux

Garrincha — 2009-09-21T09:11:39Z

“E Doce Morer No Mar” est à l'origine une chanson de Dorival Caymmi. Le vieux bonhomme - dont notre spécialiste es Brazil vous a déjà vanté les immenses mérites - en donnait une version presque folk, à l'instrumentation réduite aux seules lignes d'une guitare acoustique. Les mots s'y écrasaient presque les uns sur les autres mais la mélodie demeurait, inaltérable. Il y a des mélodies qui tiennent du miracle : on se demande à les entendre comment elles sont nées, par quelle pirouette inouïe elles ont bien pu voir le jour. D'autres qui ont la force de l'évidence pour elle. Ça ne veut pas dire qu'elles sont plus simples, loin de là. Elles ont juste plus d'aplomb. La mélodie de cette chanson est de celles là. Encore faut-il entendre ce que deux belles dames en font. Marisa Monte et Cesaria Evora, ensemble.

Le Cap Vert est une terre d'émigration : la majorité des cap-verdiens vivent à l'étranger, et pour une bonne partie d'entre eux dans les deux pays culturellement les plus proches : le Portugal et le Brésil. Ce qui s'entend naturellement dans la morna dont Cesaria Evoria est devenue l'ambassadrice, une sorte de parente insulaire de la saudade et du fado. Les chanteuses du cru ont donc toujours pas mal puisé dans ce qui se faisait du côté de Rio et de Bahia. En l'occurence, ces deux là sont de bien meilleures chanteuses que Dorival, qui fut surtout un compositeur de génie mais dont la voix avait quelque chose de mal dégrossi. En termes de diction et de netteté, c'est comme si elles prenaient des mains de l'ancien une chanson antique toute poussiéreuse pour la lui rendre impeccablement nettoyée, frottée et polie jusqu'à ce qu'elle brille. Les deux versions sont sublimes et j'aime autant les deux approches.

Cesaria Evora & Marisa Monte - E Doce Morrer No Mar

Ce qui m'intéresse ici, ce n'est pas non plus la guitare sublime qui les accompagne, virtuose sans être imposante. Non, ce qui m'intéresse, c'est une question toute simple : comment est-ce qu'on peut chanter avec Cesaria Evora ? Elle est tellement immense, elle est un monument, elle a placé à elle seule la morna sur la carte de la musique contemporaine. On sait par ailleurs qu'elle a une réputation d'humilité et que travailler avec elle ne doit pas être une expérience horrible. Mais cette voix ! Au Cap Vert, il y a des plages de sable noir, des caldeiras immenses, des nuages prodigieux d'imagination, des falaises qui s'effondrent lentement dans les flots d'un Atlantique déchaîné plus souvent qu'à son tour. Il y a tout ça, une nature implacable, et la voix de Cesaria Evora. Un son d'une profondeur telle qu'il semble venir de l'intérieur de mon propre corps et remonter vers mes oreilles plutôt que l'inverse. Comment est-ce qu'on peut vouloir chanter avec quelqu'un qui a cette voix là ?

Et bien Marisa Monte débarque de son Brésil natal la bouche en cœur et fait ça très bien. Elle n'est pas n'importe qui, loin de là. Pourtant, quand Cesaria chante seule les premières mesures, on ne peut que s'imaginer Marisa arrivant sur la pointe des pieds. Pas de hiérarchie idiote, cependant. Cette chanson nous offre surtout une belle alchimie. La brésilienne a un ton plus clair, plus univoque mais sans doute aussi plus léger. Elle apporte un peu plus de lumière, et un air de jeunesse vivifiant. Elle a la mélancolie moins inexorable mais plus douloureuse, plus à vif, d'une certaine manière. Elle offre un contraste sublime. D'autant plus qu'elle sait rester à sa place, ne prendre l'air qu'à son tour et parfois se mêler à l'autre, la voix plus ancienne, sans jamais briser l'harmonie. C'est tout un art, sans aucun doute, que de savoir chanter avec quelqu'un d'autre. Le faire avec autant de délicatesse, ça relève du génie, tout simplement.

Dans un autre registre, il faut écouter Béla Fleck et Djelimady Tounkara jouer ensemble. L'un est né à New York, a été prénommé en hommage à Bartok et est habituellement considéré comme le meilleur joueur de banjo du monde. On a pu l'entendre sur des disques de Neil Young, Dolly Parton et ... Phish. Sous son propre nom, il a enregistré des disques de jazz comme de bluegrass. L'autre est né à Kita, à l'est de Bamako dans une famille de griots. Il est l'un des plus importants guitaristes africains des quarante dernières années. Il joue aussi du xalam, le probable ancêtre africain du banjo. On pourrait penser qu'en enfermant deux prodiges dans un studio pour qu'ils jouent ensemble on n'obtiendrait qu'un long jam assommant. A la place, on a "Mariam".

Béla Fleck & Djelimady Tounkara - Mariam

En ouverture, les deux nous tricotent un thème sur lequel Djelimady brode en dévalant son manche. Et puis, sur un rythme qui s'installe les deux virtuoses improvisent ensemble comme deux jongleurs qui se passent et repassent des balles. Ou en l'occurrence, du feu. Loin des habituels numéros de ce genre, on sent presque que ces deux là jouent sans filet, qu'ils jouent littéralement avec le feu, que la mélodie incertaine et chancelante, presque une offense aux lois de la gravité musicale tant elle ne tient qu'à un fil, peut parfaitement tomber au sol. Ils prennent des risques, ils se lancent en avant mais ils se reposent à tour de rôle l'un sur l'autre. Ils se tiennent comme deux vieux potes qui se tiennent par les épaules dans un moment d'exaltation. Alors, tombera ? Tombera pas.

Notre besoin de consolation est impossible à rassasier

Garrincha — 2009-07-07T13:44:42Z

Je crois que ma première fois, c'était sur “Famous Blue Raincoat” de Leonard Cohen : j'ai eu l'impression très nette que cette chanson s'adressait directement à moi, qu'elle avait même été faite pour moi. J'imaginais presque que la vie de son auteur et la mienne avaient été organisées pour que cette chanson me rencontre. Sans doute parce qu'il est difficilement concevable que, d'une manière ou d'une autre, un parfait étranger puisse voir des choses tout au fond de vous et vous toucher comme personne d'autre. Son besoin de comprendre le chaos de sa vie, le tourment de ses émotions lui avait fait coucher des mots sur le papier, puis son envie de séduire les plus belles filles du quartier, de la ville et du continent lui avait donné le courage de prendre une guitare et de les chanter. Il avait sans doute fallu toute une série d'accidents pour en arriver là, d'un regard paternel désapprobateur à la silhouette d'une brune dans la rue en passant, sans aucun doute, par la couleur du ciel le jour où il a écrit cette chanson là en particulier. Et voilà que des années plus tard, enfermé dans une voiture trop petite - un coupé de jeune père divorcé, je l'entends pour la première fois. J'ai l'impression d'être compris, accepté, entendu, réconforté, pansé, porté, enlacé ... même si, à 11 ou 12 ans, personne n'a encore essayé de me piquer ma Jane pour ensuite aller se biturer dans une planque en plein désert.

Bref, cette chanson est pour moi. Pas par instant, pas un petit peu, pas en passant. Elle est de ces chansons dont Springsteen parle quand il dit que certains morceaux ont un pouvoir redoutable. Elle est entièrement pour moi, et le sentiment que cela me procure est tellement euphorisant que je vais passer le reste de ma vie comme un junkie à rechercher inlassablement la répétition de ce moment de grâce. Je vais chercher, chercher et chercher. Trouver "Fake Empire", "Thunder Road", "Idiotheque", "Teenage Kicks", "Unless It Kicks" et leurs cousines. Et continuer à chercher.

Sharon Van Etten - Consolation Prize

Il y a quelques jours, l'arpège d'ouverture de “Consolation Prize” m'est descendu dans l'oreille, comme du miel dans une gorge meurtrie. J'ai frémi. J'ai senti que ça venait. C'est venu. C'est venu aux détours de tout petits détails qui paraitront peut-être insignifiants à d'autres mais qui pour moi dessinent la cartographie étrange d'une chanson parfaite. Il y a la façon dont la contrebasse se glisse dans les interstices que l'arpège lui laisse. On ne l'entend qu'à peine et pourtant si elle venait à manquer tout serait dépeuplé. Il y a ce premier crash interminable sur la fin de la première ligne, et sa répétition quelques mesures plus loin. Il y a les mots, ensuite. Cette première phrase imprime directement quelque chose au creux de mon oreille : "I came to you, my conscience clear but on my knees" (puis plus loin, remplissant le même office, "you ran away to stand your ground"). Des mots de chassé croisé, d'aller-retour entre deux territoires qui devraient être étrangers l'un à l'autre, des mots de frontières qui s'évaporent et de contrastes qui révèlent des nuances, des figures. C'est curieux comme certains mots marquent.

Sharon Van Etten a donc enfilé ces petites perles de vérité, de ces vérités intimes qu'on croit être les seuls à comprendre, pour en faire une chanson. Ailleurs elle se demande si elle a les mots, si les mots existent, s'ils sont suffisants, mais là elle exprime clairement, parfaitement, ce que je ressens de manière diffuse et indicible. Me voilà compris, accepté, entendu, réconforté, pansé, porté, enlacé ... à nouveau, au moins pour un instant.

Je laisse le mot de la fin à Stig Dagerman, à qui j'emprunte le titre de cet article : “l'humanité n'a que faire d'une consolation en forme de mot d'esprit : elle a besoin d'une consolation qui illumine.”. Et c'est exactement ça : il y a quelque chose chez Sharon van Etten qui éclaire. Elle n'a pas besoin d'en faire des caisses, parce que ce qui sort d'elle est comme imbibé de lumière. Grâce soit rendu au passage à Greg Weeks (Espers) qui produit ce disque et qui a bien compris qu'il n'y avait pas besoin de braquer de gros projecteurs sur ces chansons. Elles brillent naturellement, pour ceux qui savent où regarder.

à écouter également, un duo de Sharon Van Etten et She Keeps Bees, "Cuddle Alone", disponible sur la compilation Let's Kiss & Make Up (Slow & Fast) en écoute sur Spotify ; et pour mémoire, de jolies choses déjà pointées ici
Because I Was In Love se commande sur le site de Drag City ; les Home Recordings sont eux disponibles directement auprès de la demoiselle.

Sophie et les ombres

Garrincha — 2009-06-23T08:22:23Z

Il aura fallu plusieurs mois pour que je discerne ce qui me touchait vraiment dans Monday's Ghost, le premier album de Sophie Hunger. Un album inégal mais souvent brillant, même lorsque Stephan Eicher s'invite en guest. Un album tendu, à fleur de peau, sous des dehors parfois inoffensifs. Deux très belles chansons en revue, donc.

1. Shape

Un grand jeu d'ombres, une course poursuite dans des ruelles en clair-obscur, un égarement dans des dédales de vieilles villes accablées où le soleil ne va pas. De subites échappées en pleine lumière, qui brûlent un peu mais qui donne le sentiment d'être incroyablement vivant, de toucher à quelque chose de vital et de nécessaire. Le flux des ombres qui reviennent, porteuses de petits brouillards et de mélancolies majeures.

Cette chanson dit tout ça, avec une précision et un luxe de détails surprenants. Plus que surprenants, ravissant. Cette chanson est un ravissement, un enlèvement pour ailleurs. Cette chanson est un brigand kidnappeur qui ne demandera pas de rançon. Elle a des chœurs fantomatiques et un trombone comme anges gardiens, elle a une âme. Elle est l'œuvre d'une toute jeune fille qui chante parfois en suisse allemand et qui sait manifestement ce que c'est que de se battre contre des ombres. C'est comme poser et reposer sans cesse des questions, parce que les réponses filent toujours trop vite, s'écoulent comme de l'eau entre les mains de soifards qui ont l'air sublime et perdu de ceux qui ne savent plus très bien.

Sophie Hunger - Shape

Nous avons sans cesse soif et le pugilat contre les ombres est notre sport national. Il fallait bien une Suissesse au doux prénom de Sophie, à la voix tantôt vieillie et tantôt juvénile, pour nous le rappeler.

2. Walzer für niemand

Même quand tu valses seul, tu ne valses pas seul. Même quand Sophie valse seule, elle valse en fait avec un absent. Toi tu valses avec toutes les valseuses d'avant : celles dont tu te souviens encore, un visage, un corps, une voix. Des ombres. Tu entends encore parfois l'écho de leurs pas sur trois temps. Celles qui ont valsé avec toi le temps d'un baiser, celles qui ont valsé des années durant.

Sophie Hunger - Walzer Für Niemand

Tu crois sans doute que tu pourrais danser seul toute la nuit, tant tu as de souvenirs. Tu aimerais le croire mais tu sais bien qu'au fond, c'est Sophie qui a raison. Tu le sens dans la façon dont sa voix se brise sur le mot "niemand". Les absences et les souvenirs sont parfois doux, mais pas toujours. Pas toujours.

Les Rayees vous vont si bien

aKa, Furtif — 2009-06-11T15:30:14Z

« The Rayees, c'est comme un gros moteur à explosion, nourri au Marshmallow et au Carambar et qui alimenterait à flux tendu une drôle de machine hybride faite de boîte à rythmes en sucre d'orge, de vieux Casio tout fluorescent, de cymbales empilées, de manches à basse fièrement tendus, et puis surtout d'une belle paire de bouches gorgées de miel : ça explose de couleurs, ça gicle de cris de joie, ça fout la patate, ça fait revenir l'être aimé, ça mouline dans un même couplet Justin Timberlake, Feist et Mates of State, ça n'a honte de rien, ça ne rougit que par amour et ça vous éjacule son bonheur et sa candeur au visage... J'adore ! » (aKa - Belge lettré)

Il y a des enthousiasmes qu'on aime partager par dessus tout à la Blogothèque. The Rayees mérite diablement cette dithyrambe très imagée.
Le groupe n'a pas de label, pas d'album, très peu de concerts au compteur mais possède pourtant assez de matériel pour sortir un disque aussi séduisant que très intriguant. Indéniablement doué, le duo joue avec les chœurs, empile les pistes de voix comme on retravaille une pierre sculptée peu à peu afin d'obtenir le relief voulu et accouche de petites perles. On y pioche de splendides ballades oniriques (Last Night) comme des incantations religieuses (Mother Mary Father).

The Rayees - Last Night

Découvrir puis se prendre de passion pour The Rayees, c'est avant tout n'avoir pour seul fil d'Ariane que des photos arty sur leur Myspace et de mystérieux billets mis en ligne aléatoirement. Il faut alors suivre peu à peu les chansons éparses, les clips faits maison et plonger avec cœur et entrain dans des abîmes de perplexité face à du gospel pop fait par des folkeux enfermés dans une maison du bayou et à qui on aurait laissé un 8 pistes et des VHS de films muets et de comédies romantiques.

Les cerner relève de la gageure : de nouvelles chansons apparaissent, d'autres se volatilisent. Un jour annoncés à Hawaï, le lendemain déclarés décédés, Blue B et Cierran sont libres et insaisissables, filant comme le sable entre les doigts. Les croirait-on issus d'un pays imaginaire qu'ils se révèlent jeunes banlieusards français. Les pense-t-on faits pour les ballades nocturnes qu'ils agrémentent leurs harmonies de beats electro, durcissent leur scansion. Et enfin, voilà qu'on veut les rencontrer pour savoir qu'ils retirent leurs chansons à l'exception de leur toute première.

The Rayees - Hurricane

Qu'importe qui ils sont, ils agissent avec une fraîcheur, une sincérité, un enthousiasme et une spontanéité qui suintent de leur production. A chaque chanson son clip, à chaque nouvelle production une surprise, à chaque harmonie vocale son décrochage qui fait mouche. Comment faire le lien entre la touchante My Playground et cette envolée croisée de cordes et de R'n'B qu'est Cose I got u, si ce n'est en aimant les grands écarts, les voies de traverse, les bricolages sonores, les histoires racontées avec finesse et les chœurs qui s'accrochent aux oreilles pour tourner ensuite des journées entières à l'intérieur de la tête...

The Rayees - Cos I got u

Leur discographie informelle a réellement un goût de trop peu. The Rayees est une découverte, une vraie, de celles dont je guetterai les nouvelles sorties. La séduction fonctionne parfaitement.
On les imagine - pourquoi pas - reprendre du Kurt Weill et Lotte Lenya comme ils se sont attaqués aux Destiny's child. On suppose qu'ils ont des tonnes de démos dans des cartons : la vérité n'est pas loin. J'ai passé le miroir récemment, j'en sais un peu plus, juste assez pour aimer encore davantage la fraîcheur de leurs chansons.

- Nous avons invité The Rayees à venir jouer ce vendredi 12 juin, à Paris, au Forum des images. Le festival Pocket Films nous donne carte blanche, ç'aurait été trop bête de laisser passer l'occasion. C'est à 21 heures, c'est gratuit, venez partager notre enthousiasme.

Je suis une chanson

Garrincha — 2009-05-04T09:01:49Z

Je commence par des clochettes qui te rappelleront à la fois le bracelet d'une fille que tu as aimée avant tes 20 ans et le cheval sur lequel tu as appris à monter sous le regard attentif d'un bédouin qui ne parlait pas ta langue.

Je suis construite sur un rythme parfait, une oscillation métronomique en suspension au dessus du vide, un balancement qui te rappellera les trajets en train Corail dans les Alpes et au cœur du Massif Central, vers des montagnes que quelque chose en toi voulait absolument gravir et à travers des gorges encaissées qui te donnaient des vertiges presque jouissifs.

Je suis emmenée par un chœur qui te fera penser à des souvenirs indistincts d'enfance, quand tu as compris pour la première fois en écoutant les disques de tes parents ce que la voix humaine pouvait éveiller en toi quand elle se faisait concert.

Je suis soulevée par un piano qui se répète en cycles et qui te renvoie des images de premières neiges sur le Forez et des flamboyants en fleur du printemps cairote.

Je suis conclue par une petite flûte qui évoque des images pastorales, des images d'un ailleurs loin de l'urbain, des balades sur les chemins qui s'offrirent à toi et que tu pouvais prendre parce que tu étais tout à fait libre de le faire. Comme tu l'es à nouveau aujourd'hui.

Je suis un texte qui dit parfaitement l'endroit où tu te tiens maintenant, un endroit étrangement tempéré où il ne fait ni trop chaud ni trop froid. Un endroit où se mélangent le sentiment du "devoir" accompli et la tristesse mais où le regret ne peut pas entrer. Je suis un texte qui dit le doux-amer des souvenirs qui peuvent être heureux, attentionnés, inexacts, miséreux et pourtant, inévitablement, de plus en plus palots.

Je suis un tom qui résonne lourdement et qui envahit le bas du spectre sonore, qui est comme un écho des pas qui t'ont emmené ici et là, qui t'ont fait prendre les routes encore et encore et qui feront encore que demain tu ne saurais rester là.

Je suis la voix d'un vieil oncle bienveillant, qui te tient la main et qui te raconte ces histoires qui font sécher les larmes.

Iron & Wine - The Trapeze Swinger

Je suis la chanson dont tu avais besoin, celle qui réaffirme que la musique peut guérir de tout, et je t'ai trouvé au bon moment.

Elvis was a hero to most

Garrincha — 2009-04-17T09:14:46Z

On sentait bien qu'Elvis Perkins et Alela Diane jouaient sur les pentes glissantes d'un revival qui pourrait s'épuiser très vite. Il y avait sur chacun de ces deux premiers albums ce petit quelque chose, pourtant, qui les séparait de l'ivraie. Deux ans et quelques plus tard, la différence entre les deux nouveaux opus est flagrante. L'une tourne en rond, il n'y a qu'un seul bon morceau sur son disque et encore il pourrait bien s'agir du morceau caché de The Pirate's Gospel. Le reste est juste ... plat. Le titre est bien trouvé, du coup : To Be Still. Pendant ce temps, l'autre poursuit sur sa lancée, il a pris le tremplin et il explore encore plus avant les recoins les plus classes de la Dylanerie. Mais ce qui saute aux oreilles d'emblée, c'est qu'il a un putain de son.

J'ai longtemps sous-estimé l'orchestration de Ash Wednesday, sans doute la faute à une production plutôt discrète. Pourtant, en y retournant, elle était déjà là, au hasard dans la contrebasse et les violons de “Emile's Vietnam In The Sky”. Même “While You Were Sleeping” n'est pas aussi minimaliste qu'on veut bien le croire. Il y a sur chaque morceau au moins une bonne idée, mais une bonne idée qui se fait discrète et qui est au service de la chanson. On sent presque que les chansons sont arrivées écrites et qu'il ne s'est agi que de les enjoliver un peu, leur donner un peu de relief.

La grosse différence avec Elvis Perkins In Dearland, c'est que tout ça est passé au premier plan comme l'annonce d'emblée la grosse batterie qui lance "Shampoo". La vraie réussite, c'est que cela n'écrase pas les chansons pour autant. Si Elvis a embauché un producteur renommé (ex-Public Enemy et ex-Dylan, rien que ça), il a aussi lâché la bride à ses musiciens. La contrebasse est toujours là mais elle a de la compagnie : il y a un orgue dès les premières mesures, des cuivres qui s'invitent en pagaille pour jouer à la marelle de chanson en chanson, un piano qui a un son beaucoup plus profond qu'avant et un gros tambour que son batteur empoigne pour marteler les morceaux comme "Hey".

A la première écoute, le disque s'est donc avéré un peu décevant : on entend d'abord le son et on ne trouve pas de chansons du calibre de "All The Night Without Love" et "While You Were Sleeping", les deux mastodontes qui ouvraient Ash Wednesday. Pas tout de suite. Parce qu'une fois qu'on se fait à ce son plus ample, plus généreux, plus ouvert, on va au devant de très belles rencontres. Voilà, ce Elvis Perkins In Dearland réussit ce que beaucoup de seconds albums ratent : une réalisation plus soignée mais, aussi, surtout, une écriture intacte, un propos qui ne s'est pas épuisé, bien au contraire.

Elvis Perkins - Doomsday

Il y a "Shampoo" (oui, je sais, ça fait facilement 32 fois que je la mentionne), "1,2,3 Goodbye", et une "Send My Fond Regards To Lonelyville" qui respire l'ironie et la joie. Et la moindre d'entre elles n'est sans doute pas ce "Doomsday" qui est comme une cavalcade effrénée et insouciante dans un lit de poussière. Elle semble dire que seul importe la vitesse, le mouvement et qu'il suffit d'attraper cette ligne de basse au vol.

A l'écoute d'Ash Wednesday, je n'avais qu'un seul - petit - regret : je me souviens m'être demandé si Elvis Perkins saurait un jour descendre dans la fosse et livrer quelques petites choses plus senties, plus folles. Je voulais le voir lâcher les chevaux, crier vers le toit, taper du pied. Il fallait croire, en fait, à la venue de "Doomsday". Il fallait être là quand il l'a joué sur la scène de la Maro, lui sur la gauche et les autres bondissant dans tous les sens. Il suffisait d'attendre, il suffisait d'y être.

[bon, et si vous comprenez mon titre, c'est que vous êtes quelqu'un de bien]

Photos par Delgoff